Lo que vería en un biopic de Whitney

El 17 de Enero de este 2015, la cadena estadounidense, Lifetime, emitió el "famoso" biopic de Whitney. Yo lo vi hace una semana, al encontrar cómo hacerlo. Estaba algo esperanzada porqué esta vez, decían que el tele-film no era tan malo como muchos de los anteriores que esta cadena ha producido.

Os pongo en situación un poco:

Es la misma cadena que realizó el polémico biopic sobre Aaliyah (sin el permiso de sus familiares) o el cuestionable tele-film sobre la serie Salvados por la Campana, con la única perspectiva de Dustin Diamond (Screech, en la serie).

Mi intención era empezar la nueva entrada con lo que iba a hacer en un buen inicio con la recuperación de este blog (grupos, grupos, grupos, de EEUU antes que de otros países, que también los habrá), pero al ver el biopic cogí tal cabreo, que me vi en la necesidad de cambiar de nuevo mis planes para la entrada de esta semana.

Quiero ser breve con la introducción, aunque es algo difícil, así que os resumiré que -contrariamente a las críticas de blogs y otros medios- a mí el biopic de Aaliyah al lado del de Whitney, me pareció hasta bueno. Y debe constar que el biopic de Aaliyah es una gran bazofia, que insistió en el sensacionalismo, pero al menos tuvimos un poco más de perspectiva sobre su carrera, los pasos que siguió, cómo se convirtió en actriz y en un icono de moda, etc. mientras que el biopic de Whitney se deja todo su peso real fuera del film.

Para empezar (y terminar mi intro), el tele-film de Lifetime está contado desde la perspectiva de su ex-marido: Bobby Brown, y parece un biopic de él en vez de ella. Toda la historia está enfocada en su perspectiva y en dejarlo a él como una persona inocente que fue arrastrada a la desesperación por culpa de su pareja. Nos narra el tele-film, que Bobby Brown trató de mil maneras hacer que Whitney dejara las drogas, y poco más. 

El problema es que, incluso, para ser un biopic de Bobby Brown camuflado, sigue siendo una MIERDA, así en mayúsculas, por los siguientes motivos:

1. -Casi no se nos habla de su carrera artística ni de lo que significó (llegaré algún día a hablaros de él, lo prometo y está previsto desde hace tiempo, desde antes de mi mega-hiatus).
2. -Su personaje está distorsionado, causa de un gran narcisismo y la complicidad de su directora (Angela Basset, cómo me has decepcionado). No es para nada la persona que hemos visto durante todos estos años y no me sirve la excusa de que los cantantes siempre tienen un lado oculto. Lo que sucede en el biopic no coincide con los hechos de su vida casi en nada.
3. -Las INNECESARIAS escenas de sexo se comen más de la mitad del film.
4. -El actor no es bueno (ninguna sorpresa, Yaya Dacosta también es un desastre), aunque baila bien.
5. -De nuevo, no se nos explica casi nada de su carrera, cosa que hace el biopic completamente INÚTIL.

Con estas cosas dichas, empiezo mi entrada de esta semana.

En vista que el biopic empieza en 1989, justo cuando Whitney conoce a Bobby (porqué no era nadie antes de ese momento, claro), me pregunto el porqué pensaron que no era trascendente narrar el inicio de su carrera (bueno, tampoco tocaron mucho el resto, pues todo lo que se refería a su música, parecían escenas de puro relleno), cuando Whitney Houston fue una cantante que marcó un antes y un después en la historia de las cantantes negras. No es únicamente por su voz (se consideró que era LA VOZ, lo mismo que en su día con Frank Sinatra), es por los pasos que siguió con su carrera y el inicio de ésta es más importante de lo que la gente se cree.

Yo nunca he sido mega-fan de Whitney, ni siquiera puedo decir "yo era dan", porque Whitney no era mi cantante preferida ni una de mis preferidas. Simplemente era una cantante que me gustaba, con quién había crecido (lo mismo que con Madonna) y de quién me gustaban ciertas canciones. Pero no puedo negar el hecho de que siempre haya reconocido su importancia y el gran referente que era.

Habréis leído cientos de veces que Whitney entró con buen pié en el mundo de la industria musical porqué venía de buena casta: Su madre era cantante de gospel (Cissy Houston, ganadora de dos grammy) y su prima es la gran Dionne Warwick (una de las leyendas del Soul), su otra prima era Dee Dee Warwick (hermana de Dionne, otra cantante de Soul, entre otras cosas), su madrina es Darlene Love (la cantante del hit He's a Rebel) y su tía honoraria Aretha Franklin (de quién no debemos añadir nada, siendo la eminencia que es). Pero lo importante no es que tuviera enchufe, si no que Whitney llegó en una época un tanto oscura para el viejo Rhytm'n'Blues, en la que empezaba a predominar el Pop influenciado por estilos como el glam rock, la música sintetizada, el punk, el Pop europeo de los "neo-románticos", la New Age... etc. 

Whitney debutó en Febrero de 1985 con su primer álbum de estudio, Whitney Houston, en una época en la que el canal MTV empezaba a despuntar y ser una buena arma de promoción para nuevos artistas (en aquella época, TODO eran vídeos). La MTV es la responsable de que los cantantes empezaran a tomarse en serio sus vídeos de promoción para que fueran atractivos a la audiencia televisiva y no un mero acompañamiento de presentación. El problema con la MTV, era la sociedad estrictamente racista (sí racista) estadounidense que vetaba cualquier producto de procedencia afro-americana y trataba de que no llegara a medios que se destinaban a una audiencia general (por aquello de que la sociedad es toda taaaan blanca... ¬¬) y los altos cargos del canal solían ponerse las manos a la calva cuando les venían con algún vídeo de algún cantante negro.

Parece que todo esto me lo esté inventando, pero no. Lo he visto en cientos de documentales, pero además es que es cierto. Si en aquella época, no hubiera existido el bombazo del Thriller de Michael Jackson, probablemente Whitney lo habría tenido crudo para lograr colarse en cualquier medio de tipo general y no estrictamente dirigido a una audiencia negra. Sí, queridos lectores, cuando le tocó el turno a Michael, también trataron de negarse a emitir sus vídeos de promoción de uno de los álbumes que más pasta ha recaudado en toda la historia de la industria musical.

Primera parte del biopic que quiero ver:

Si yo hubiera realizado un biopic de Whitney, quizás no habría caído en la trampa fácil de filmar una niñez-adolescencia idealizada entre esa gran familia cantarina que tenía (algo habitual en este tipo de películas), pero habría empezado la peli justo en 1983 cuando su mami, Cissy, la llevó a Clive Davis de ARISTA y lo convenció para que firmara a la joven modelo de la revista SEVENTEEN (toda una institución en EEUU) que había acaparado la atención de algunos sellos discográficos (Elektra Records estaba entre ellos) por su impresionante voz.

Habría empezado por allí y por mostrar el plan de Davis para hacer que una chica negra lograra colarse en las listas de música generales. Por supuesto, para éso Whitney tuvo primero que causar sensación en las listas de R&B.

El tele-film de Lifetime entra a saco con el posterior éxito de su segundo álbum y nos introduce a ARISTA como si nada, sin ponernos en contexto ni dar detalles de nada. No quiero extenderme demasiado, pero el hecho de que Cissy descartara otras discográficas y eligiera ARISTA es significativo, pues fue uno de los sellos pioneros del R&B de mediados de los 80 y de casi toda la década de los 90 y -como podéis imaginar- Whitney se convirtió en su buque insignia.

Dejarse fuera la realización y promoción de su primer álbum es un graso error. Ya os he advertido que Whitney fue un referente, el modo en que su primer álbum la fue llevando al estrellato single tras single, no es como para omitirlo. Su primer single en EEUU fue el tema You Give Good Love, que estaba destinado a la audiencia afro-americana (fue un tema descartado por Roberta Flack) pero que se coló en el puesto #3 en el Billboard Hot 100 general (fue #1 en las listas de música negra). El tema no hizo nada fuera del país, pero ayudó a que las ventas de su álbum debut aumentaran y le salieran bolos de discoteca que ayudaron a reforzar sus siguientes singles que promocionaban el álbum. Whitney, además, consiguió ser invitada en algunos programas de variedades nocturnos (Late-Night Shows) a los que difícilmente asistían artistas afro-americanos. Éste fue, probablemente, el primer paso para darse cuenta de que Whitney podía redirigirse como producto inicialmente destinado a una audiencia afro-americana a otra más general. Saltar directamente a la parte en la que su carrera ya había cruzado la frontera del R&B, es un tanto drástico si tenemos en cuenta lo que significó este hecho para toda una generación de artistas negros.

Su segundo single, Saving All My Love for You, estaba compuesto ni más ni menos que por Gerry Goffin (letrista de Will You Love Me Tomorrow, el hit de 1960 de The Shirelles, entre otros hits de la década) y Michael Masser (compositor de temas R&B/Soul, os sonará el hit de Glenn Medeiros: Nothing's Gonna Change My Love for You). El tema fue originalmente grabado por Marilyn McCoo y Billy Davis Jr., lanzado en 1978, pero para Whitney supuso su primer #1 en EEUU y en el Reino Unido, además de ganar un Grammy a mejor interpretación vocal femenina. 

De las discotecas, pasó a ser telonera de Jeffrey Osborne (vemos la mejora de medios de promoción), un cantante de R&B. Su siguiente single, se volvió a orientar directamente a la audiencia de R&B (Thinking About You), el tema alcanzó el top 10 de esas listas, pero luego se lanzaría como cara B del tema  Greatest Love of All, una versión de un tema de 1977 que se usó como banda sonora de un biopic del boxeador Muhammad Ali, grabado por el cantante George Benson.

Sin embargo, antes de este single que hemos nombrado ahora, primero lanzó el tema How Will I Know, que llegó a ser #1 y se lanzó en el momento indicado para que la MTV lo emitiera sin parar. Justo en esa época volvían a recibir críticas de la audiencia por discriminar a los artistas negros, latinos y no blancos en general. Estamos, sin duda, ante uno de los hits del R&B de aquella época que logró colarse en las listas de Pop de varios países y que, hoy en día, todavía se recuerda a pesar de que ella tuvo temas que se creen más icono. Por no decir que era una canción inicialmente escrita para Janet Jackson, otra rompe-barreras.

En 1986, el álbum seguía promocionándose y logró posicionarse en el top 200 de la lista de álbumes de Billboard, quedándose allí durante catorce semanas. Os parecerá una tontería, algunos lo llamarían un flop, pero si consideramos que en la época el único negro que tenía éxito entre los blancos (y todos) era Michael Jackson, pues no es moco de pavo que una jovencita afro-americana que llevaba un álbum de R&B bajo el brazo, se colocara entre los primeros 200 puestos con éste.

Su último single fue su primer gran éxito. Greatest Love of All (una versión, como ya hemos comentado), debutó en el #1 y le logró el récord de ser la primera mujer que logró tres números 1 consecutivos en el Billboard Hot 100. Ese año fue elegida Artista del Año por Billboard y su álbum fue también Álbum del Año.

Al fin, Whitney tuvo su primer tour como cabeza de cartel: Greatest Love Tour. Además de ganar varios premios gracias al éxito de su álbum debut (incluido un Emmy por una actuación televisiva, siete American Music Awards y un MTV Video Music Award). Su debut por la puerta grande (incluso en 1987 recibió una nominación por el último single de su primer álbum) se considera uno de los hechos más importantes de la historia de la industria musical americana, también se dice que gracias a su éxito, artistas como Janet Jackson y Anita Baker pudieron llegar a una audiencia más general. Como para dejártelo fuera de un biopic ¬¬

Como nota a parte, en algún momento de esta primera parte, sí deberíamos de ver su obsesión con Sparkle, hecho que el biopic de Lifetime nos planta en una de sus fiestas de cumpleaños, justo cuando empieza a intimar con Bobby Brown.

Rediseñando el producto

El biopic de Lifetime se come toda la realización de su segundo álbum y su promoción, entrando a saco con su éxito posterior a éste (gracias a éste). Sinceramente, no es por dar cada detalle como con su álbum debut, pero creo que cabría narrar cómo se decide crear su segundo álbum de estudio y los motivos por los que pasó de estrella estadounidense a estrella internacional.

La verdad es que de su primer álbum se conservó casi que a la mayoría de sus compositores, productores, etc., incluso la crítica fue dura con el producto por parecerse demasiado al de debut (incluso el título era Whitney); pero si me voy a esos documentales que yo me trago, una vez vi uno sobre Mary J. Blige que analizaba su éxito en perspectiva y lo contraponía -en especial- al de Whitney, por ser ella una cantante negra a la que se le habían aplicado filtros claros para colarla al público blanco (o no afro-americano, en su defecto).

Para que se entienda, podemos decir que el R&B de la época anterior a Whitney y la de sus dos primeros álbumes, era así. Era un R&B que venía tras los días del disco, del funk, del Philadelphia Sound y que se había diluido mucho, que era casi todo de ritmos a medio-tiempo, baladas de toque romántico y que, encima, estaba evolucionando en su sonido a la par que la música Pop, así que en algunos aspectos, a veces no había tanta diferencia entre la música que hacía Madonna o la suya (no hay que olvidar que a Madonna se la intentó debutar omitiendo su imagen de las portadas de su single, para que los oyentes creyeran que era negra). El toque diferencial con Whitney era su voz, el color de ésta, y el modo de cantar que bebía mucho del gospel y del Soul clásico.

Pero Whitney, como sucede con muchos artistas que han logrado el éxito, volvió en el momento exacto, cuando su nombre todavía resonaba por todo lo alto y los canales de promoción iban a poner su música sí o sí, el público iba a querer escucharla (y comprarla) y el pez se muerde la cola, así que al final el éxito aumenta y las ventas crecen. Whitney se convirtió en un éxito comercial debutando en el #1 del Billboard 200, siendo la primera mujer de la historia en hacerlo. También se convirtió en el primer álbum de un artista en debutar en el #1 en EEUU y el Reino Unido. Todos los singles de este segundo álbum se colocaron en el #1 en las listas estadounidenses, dándole de nuevo otro récord, pero cabría poner hincapié en el hit (el primer single del álbum) I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me).

I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me), es uno de los primeros temas R&B de la década de los ochenta con ese ritmo bailable, que no es un medio-tiempo pero tampoco suena a disco-satinado (How Will I Know), con un vídeo bastante creativo y acorde a su época y que tenía ese sonido perfecto para ser un hit que trascendiera a su tiempo. No es de extrañar que fuera el tema que la colocara en el panorama internacional.

Podríamos añadir la parte en la que participa en el concierto que celebró el 70 aniversario del entonces presidiario, Nelson Mandela, porqué ella siempre estuvo implicada en la lucha anti-apartheid (durante su época como modelo rehusó trabajar para empresas que tuvieran negocios con Sur-África). El concierto del antiguo Wembley (otro hecho histórico) fue en Junio de 1988, durante su tour por Europa y, al poco después, Whitney grabó otro de sus temas insignia: One Moment In Time. La canción se grabó para promocionar la cobertura que la cadena NBC le dio a los Juegos Olímpicos de Seúl (1988).

Aquí sí que me saltaría un poco el tema premios (de nuevo, Grammy, American Music Awards) y me encontraría con el biopic de Lifetime en los Soul Train Music Awards (ganó uno en 1989), que siguen siendo una institución para la música R&B, Soul, Hip-Hop, etc., porqué su primer encuentro con Bobby Brown fue significativo.

Digamos, que en algún momento de la primera parte o la segunda, Whitney se empieza a meter en el tema de la cocaína (Lifetime la presentaba ya totalmente enganchada en 1989). Sí, concedo la licencia de creerme que Whitney ya se metía algo, es una cosa habitual en el mundo del espectáculo. Pero no me trago que Bobby no se metiera nada y fuera por el mundo diciendo que lo hacía porqué le había costado mucho llegar a dónde estaba.

Otro hecho que deberíamos interpolar, es porqué Bobby era importante en ese momento. Lifetime nos lo muestra actuando y deslumbrando a Whitney, pero poco contexto nos da.

• Bobby:

Para empezar, Bobby Brown no era un niño bueno. A Bobby le echaron de New Edition (todo un éxito en su época) por "mal comportamiento" y problemático. Así que dejad que dude cuando en el biopic de Lifetime va diciendo que no quiere coca. Debería añadir que sus principales problemas eran su afán de protagonismo (hecho que le traería problemas más tarde en su matrimonio y, por lo visto en el biopic XD) y su mala actitud.

El segundo hecho importante, es saber que el álbum que le dio el éxito del que gozó post-New Edition, fue el segundo: Don't Be Cruel. Y es bastante importante para la historia del R&B en general, pero también para la carrera de Whitney.
Este álbum fue uno de los pioneros del estilo New Jack Swing que fusionaba el R&B de la época con el Hip-Hop de la época, estilo que precedió la revolución del R&B de mediados de los 90 (cuando empezó a llamar al estilo Contemporary R&B o R&B, en contraposición a Rhythm'n'Blues, para diferenciarlo de su época clásica). Babyface, Antonio "L.A." Reid y Teddy Riley fueron los artífices de los temas de este álbum de Bobby Brown; aunque el single con más éxito (el segundo), My Prerrogative, fue escrito por Brown y Gene Griffin, el tema tiene muchos elementos del sonido creado por Teddy Riley (New Jack Swing) y se considera uno de los himnos de este estilo de música.

El tercer aspecto a tener en cuenta, es una consecuencia del segundo: El estilo musical de Bobby Brown, que era también el de la Janet Jackson de la época, con su tercer álbum (Control) que fue uno de los pioneros del New Jack Swing (ella de la mano de Jimmy Jam y Terry Lewis) y el cuarto (Rhythm Nation) que empezaba a diluir el estilo con sonidos más innovadores.

El re-diseño del producto Whitney Houston fue a causa de ese nuevo sonido (1986-1989) que era el New Jack Swing (Bobby) y lo que ya estaba realizando Janet un poco más allá de éste (Rhythm Nation). Lifetime no se deja fuera la Whitney deslumbrada por Bobby que acude a Clives Davis a pedirle un cambio de rumbo para su nuevo álbum y éste le propone trabajar con Babyface y "L.A." Reid que "acaban de llegar a ARISTA". Oye, como si fuera una muñequita.

Yo creo, visto su carrera, vista la época, vistas las críticas de entonces, que Whitney se arriesgó a ir a Clives Davis y pedirle que le dejara trabajar con ellos. Probablemente porqué veía qué habían hecho por Bobby y que una de sus máximas competidoras (Janet) estaba metida de lleno en este nuevo estilo y tenía éxito. Whitney no se iba a poner a bailar, pero podía dejar atrás las baladas melosas y los temas pseudo-disco-pop para empezar a hacer un R&B moderno de verdad.

I'm Your Baby Tonight (1990) y su producción deberían de ser una parte importante en cualquier biopic de Whitney y no un par de escenas sobre sus ganas de hacer un álbum como ése y otra grabando uno de sus temas. No ponerlo en contexto debidamente es UN puto CRIMEN, dejarse fuera a Babyface, "L.A." Reid, Luther Vandross y Stevie Wonder, mostrarnos cómo Whitney también tomó las riendas de dicho álbum y plantar cara a las críticas que dijeron que su acercamiento a un estilo más Urban era "superficial", con un buen guión, debidamente contrastado con sus testigos (oye, que los demás siguen vivos), creo que sería de las cosas sanas de mostrar, por no decir importantes para entender una parte MUY IMPORTANTE del R&B de inicios (y mediados) de los 90 del siglo XX.

El álbum le costó a Whitney un éxito un tanto "menor" a los dos anteriores (menos números 1, etc.), pero no dejó de ser un éxito, producir hit singles como I'm Your Baby Tonight (#1), All The Man That I Need (#1), Miracle (#9), My Name Is Not Susan (top20), I Belong To You (top10) y We Didn't Know a dúo con Stevie Wonder (top20). Fue arriesgado, pero la acercó a los artistas de R&B de la década que estaban a punto de liderar un ascenso de este nuevo estilo y la hizo una artista más "real" y "accesible", además de darle una versatilidad vocal que los temas de sus anteriores álbumes no le permitían tener. 

Aunque estamos ante el último álbum de estudio durante un largo período de tiempo para la artista, I'm Your Baby Tonight la dejó en una posición como cantante que luego retomaría sin problemas: Diva del R&B con alcance mainstream.

La Whitney de Hollywood

Whitney se casa con Bobby en 1992, tras una complicada relación (tenía hijas con otras mujeres, no era santo de la devoción de la familia de Whitney...) y tiene a su única hija: Bobbi Kristina. Es una época en la que Brown ya empieza a tener problemas con la ley y causa altercados de vez en cuando. Seguramente, debido a que ya empezaba a tener una gran adicción al crack. No es que lo sepa, es que el cambio de década 80/90 fue criminal para muchos afro-americanos con su adicción al crack. No hay peli de pandilleros de la época que no trate el tema, tampoco las pelis de polis y mafiosos en la que salen camellos en ghettos. Cabe señalar que lo que siempre hizo creer a la prensa (y amigos) sobre Bobby enganchando a Whitney al crack, fue porqué el crack es una droga que se asocia a las clases obreras (y pobres), a los ghettos. Bobby provenía de una familia humilde, Whitney no. Bobby seguía comportándose como un pandillero, Whitney no. Whitney, no cabe duda, tenía adicción a la cocaína (droga asociada a las clases altas), Bobby, probablemente empezó con cosas más "inofensivas" pero de aquí a venir a decir en su biopic que fue todo culpa de Whitney... no sé, permitid que dude.

Pero, a pesar de los problemas (que estuvieron desde el principio de su matrimonio), este es el momento en el que Whitney decide aceptar una de las miles de ofertas que le llegaban para hacer películas y protagonizar The Bodyguard con, el entonces actor del momento, Kevin Costner.

Parece mentira que el biopic de Lifetime trate este hecho como una mera anécdota, mientras pone su foco en los primeros problemas de Bobby con la ley y cierto tiroteo en el que se vio envuelto (y donde murió el novio de su hermana).

Es una época importante, a pesar de no ser celebrada como actriz, porque sus películas tuvieron éxito comercial y porque fueron el motivo que la alejó de lanzar álbumes originales de estudio durante mucho tiempo.
En vez de éso, Whitney siguió ganando dinero con su música y creando hits con las bandas sonoras de sus películas.

No ver el hit en el que se convirtió I Will Always Love You (tema principal de The Bodyguard) es otro maldito CRIMEN. Es uno de sus temas más celebrados e icónicos y olvidarse de explicar cómo se llegó a elegir este tema (en la película se medio-explica, la The Bodyguard) y que fue increíble que lograra convertir un himno que ya había sido un éxito de una leyenda del Country (Dolly Parton), que la mantuvo en las listas de ventas de medio mundo y le permitió ascender a DIVA a pesar de no ser de ningún álbum de estudio, es un SACRILEGIO.

David Foster fue el encargado de adaptar esta balada Country a un sonido R&B que pudiera ser mainstream y convertirla en un éxito mundial (es además el single con más ventas de una cantante femenina).

(y para que conste. YO SÍ SOY FAN DE LA SEÑORA PARTON Y PREFIERO SU VERSIÓN CIENMILMILLONES DE VECES).
No sin más, que veamos como relleno a los demás temas que compusieron esta banda sonora en forma de interpretación durante uno de sus tours, es otra GRAN CAGADA. El álbum ganó tres Grammy en 1994, uno de ellos el de álbum del año; tuvo otros dos hit singles: I'm Every Woman -que se promocionó como una celebración a la figura de Chaka Khan, la artista de quién es la canción original- y I Have Nothing, otro de los temas preferidos de cualquier "wannabe" a la hora de ir a concursos de talentos y similares. Volviendo a la versión del tema de Chaka Khan (que volvió a cobrar protagonismo con el especial Divas Live'99, en el que cantó a dueto con ésta), el tele-film de Lifetime nos muestra a Whitney cantando el tema en tours mientras va chillando "Chaka Khan" como si fuera gilipollas y quitando todo sentido y contexto al hecho en sí (que ella vaya diciendo "Chaka Khan"). Podríamos haber visto, en su lugar, como se realizó el vídeo, en el que Whitney quiso compartir pantalla con su madre Cissy, Valerie Simpson (quién formaba un dúo con su marido y es compositora de esta canción), Martha Wash (de The Wheather Girls, sí, las de It's Raining Man) y, por supuesto, Chaka Khan, a quiénes rendía tributo por haber mantenido la estela de la música R&B durante los años 70 y por ser sus influencias. Además, en el vídeo salía el grupo TLC, quiénes probablemente fueron invitadas con fines promocionales (estaban empezando su carrera en el sello de Whitney) y no es un hecho aislado, pues otro aspecto importante de la vida y carrera de la señora Houston fue su afán por acoger a los nuevos talentos -especialmente las mujeres-, y ayudarlas en todo lo posible. Esto no se lo puede negar nadie, pues lo han admitido la gran mayoría de estos talentos que en su día se vieron arropados por ella. Y ES POR ESO QUE SU MUERTE FUE TAN LAMENTADA POR TODA ESTA COMUNIDAD DE ARTISTAS.

Mirad qué largo párrafo le he dedicado a este single, como para dejarlo como un tema de relleno ¬¬
En una nota todavía más trágica: Whitney estaba preñada en el vídeo de este tema, de Bobbi Kristina (quién lamentablemente falleció este 2015).

Deberíamos añadir, para terminar este sub-apartado, que el tour del álbum The Bodyguard, la llevó por primera vez a Sur-África, que ya había eliminado el apartheid y tenía a Nelson Mandela como recién-elegido nuevo presidente del país. Whitney fue la primera artista de un sello Major en visitar el país con un tour.

Sin ser una nota menor, la parte de Hollywood debería seguir (y terminar) con sus hazañas realizadas entre 1995 y 1997.

Durante esta época, Whitney realizó las películas Waiting To Exhale y The Preacher's Wife, en una época en la que el cine afro-americano empezaba a tomar una forma más comercial y variada, como contraste con el cine Blaxploitation. Aquí empezaron a tomar relevancia las bandas sonoras de las películas orientadas a una audiencia afro-americana que se realizaban con actores y actrices negros y con temáticas que atrajeran a este sector de la población pero que pudieran ser distribuidas a otras audiencias sin problemas. 

Whitney trabajó en la primera película (Waiting to Exhale) con las actrices afro-americanas que estaban entonces en auge: Angela Basset (por su interpretación de la madre de los Jackson y la de Tina Turner en su biopic, mucho antes de convertirse de la responsable de la bazofia emitida por Lifetime), Loretta Devine (era una actriz recurrente de varias series de televisión) y Lela Rochon (otra actriz recurrente en series) y en la segunda (The Preacher's Wife) trabajó con Denzel Washington (y creo que sobran más comentarios).

La importancia de la banda sonora de Waiting to Exhale es, quizás, mayor a la de The Preacher's Wife por el mero hecho de que Babyface (productor de este álbum) quería que fuera íntegramente grabado por Whitney pero ella no aceptó y alegó que quería que el álbum fuera representativo de mujeres con talento vocal único. Y aquí tenemos otro hecho diferencial que convertía a Whitney en una visionaria de la música además de alguien que supo compartir su éxito con las demás y supo la importancia que tenía usar su fama para dar fuerza al resto de mujeres de la industria.

Waiting to Exhale es otro icono del R&B de su época (el disco) porqué ayudó a promocionar a un nivel internacional a artistas femeninas de ese nicho de mercado que puede llegar a ser el R&B. Como tenía la cabeza visible de Whitney, los países que no eran afines a promocionar el R&B a un nivel general, se atrevieron a colar los demás singles de dicho álbum y, gracias a éste, algunos pudimos conocer a nuevas voces (y caras) en una época en la que descubríamos nueva música a base de aventurarnos en las tiendas de discos especializados a gastarnos los ahorros en discos juzgándolos por sus portadas (la vida sin Internet era dura, amigos).

La susodicha banda sonora contaba ni más ni menos que con los siguientes nombres: 

1. Toni Braxton (de quién se promocionó Let It Flow)
2. TLC
3. Brandy (de quién se promocionó Sittin' Up In My Room)
4. Aretha Franklin (de quién se promocionó It Hurts Like Hell)
5. Chaka Khan
6. Faith Evans
7. SWV
8. Patti LaBelle
9. Mary J Blige (de quién se promocionó Not Gon' Cry)
10. CeCe Winans (quién grabó el tema Count On Me con Whitney, que se lanzó como single)

Y todas ellas son nombres que han sido importantes en la historia del R&B. Whitney, además del tema con CeCe Winans, abrió y cerró la tanda de singles promocionales con los temas Exhale (Shoop Shoop) (1995, debutó en el #1 del Billboard) y Why Does It Hurt So Bad (1996, un éxito menor). Los temas de TLC (This Is How It Works), Chaka Khan (My Funny Valentine) y Faith Evans (Kissing You) recibieron bastante promoción en las radios a pesar de no haberse lanzado como singles.

The Preacher's Wife fue un movimiento discográfico hacia el gospel que le salió bien a Whitney, pero además supuso sus primeras buenas críticas como actriz. 

Con estas dos películas, Whitney se había involucrado a nivel de producción, en 1995 su productora cinematográfica contrató a Debrah Martin Chase (había llevado la productora de Denzel Washington) y  en 1997 cambió su nombre por Brown House Productions.

Es por esta época que la productora adquiere los derechos de Sparkle, aunque el proyecto tardaría en despegar, es algo que debería de aparecer en un biopic de verdad.

La época de Whitney con sus primeras incursiones en Hollywood, debería cerrarse con la primera producción de la renombrada Brown House Productions para la televisión: la adaptación de Cinderella de Rodgers y Hammerstein (un clásico de los musicales).
Este trabajo de la productora cinematográfica de Whitney fue un referente para muchos adolescentes por su carácter multi-cultural y cumplir con el requisito marcado por dicha productora de mostrar a la comunidad afro-americana de modo positivo y con aspectos de su vida diaria que no se solían mostrar antes en el cine.

La misma Whitney había rechazado el papel en 1993, pero al retomar el proyecto como productora, se posicionó como hada madrina y le cedió el protagonismo a la joven Brandy, quién se benefició mucho de esta película para televisión, pues terminó de lanzar su carrera como estrella modelo para los adolescentes y abrió las puertas para muchas chicas negras de su edad, además de ser un modelo  a seguir que no tenían en la sociedad afro-americana (venía de protagonizar su propia sitcom orientada a un público adolescente, Moesha, y fue la primera artista negra en tener su propia versión de la muñeca Barbie).

No es que Whitney no hiciera más cosas durante estos años (tours, recibir premios, conciertos homenaje...) pero yo cerraría este apartado aquí, pues es lo que realmente la hizo relevante como artista, como modelo a seguir y como referente para las generaciones que vinieron detrás de ella.



De vuelta a la música

Este es un apartado corto. El centro de toda esta parte, en cualquier biopic que se pudiera realizar de ella, es su regreso a la música original y no de bandas sonoras con el álbum My Love Is Your Love.

Pensaréis que es poco material para un capítulo a parte, pero si colocamos este álbum en su contexto histórico, tenemos los minutos necesarios para justificar que se explique al detalle la realización de esta obra de arte.

El álbum se lanzó en 1998.

Inicialmente, Whitney iba a hacer lo que toda DIVA apoltronada hace en su momento y lanzar un Grandes Éxitos con apenas un par de nuevos temas. Exigencias de cualquier guión discográfico, necesario para una ARISTA que estaba en pleno apogeo pero a las puertas de su declive (aunque no lo sabían entonces). Era necesario meter a Whitney de nuevo en el mapa de los lanzamientos discográficos que no fueran bandas sonoras de películas.

Pero oye tú, Whitney se metió al estudio a grabar temas de relleno en el peor momento para los temas de relleno del R&B. Porque Whitney se había metido en el agujero del R&B moderno con su tercer álbum y no había salido más que para The Bodyguard (un álbum con influencias R&B, pero de corte Pop), y seguía llevando la bandera de lo negro con sus bandas sonoras.
En 1998 el R&B cobró nueva forma, tomó todo lo que se había creado durante esa resaca del New Jack Swing y del "New School" de la era del Hip-Hop y evolucionó a algo híbrido, algo que fusionaba Soul, Hip-Hop, Rhythm'n'Blues clásico y Pop, y grandes nombres como Mary J Blige, TLC, EnVogue, Destiny's Child, Usher, Janet Jackson, Ginuwine, Aaliyah, The Fugees, The Next, Toni Braxton, Brandy, Monica, R.Kelly y un gran etcétera habían contribuido a ese nuevo sonido. No querría menospreciar a nadie ni a ninguna joya de la época, pero para que os hagáis una idea de qué época era, os soltaré algunos de los álbumes lanzados entre 1997 y 1998 (y promocionados durante 1997, 1998 y 1999):

• Janet lanzó The Velvet Rope en 1997.
• Mary J Blige lanzó Share My World en 1997 (sí, había roto su relación de cantante-productor con Puff Daddy, pero fue uno de sus álbumes referentes con hits como Love Is All We Need, Share My World, e incluía el Not Gon' Cry de la peli de Whitney).
• R.Kelly lanzó R en 1998 (se considera su álbum más ambicioso de toda su carrera).
• Lauryn Hill lanzó The Miseducation of Lauryn Hill en 1998.
• Brandy lanzó Never Say Never en 1998.
• Usher lanzó My Way en 1997.
• Destiny's Child debutaron con Destiny's Child en 1998.

En My Love Is Your Love, Whitney fue producida por algunos de los responsables de que el sonido R&B contemporáneo hubiera tomado forma propia: Rodney Jerkins, Wyclef Jean (The Fugees) y Missy Elliot.

El álbum fue tan bueno que se promocionaron singles del 1998 al 2000 y, aunque se podría mostrar también la realización de su Whitney: The Greatest Hits (porque contenía remezlcas con artistas más mainstream del momento como Enrique Iglesias o George Michael, entre otras cosas), yo no dejaría de poner el foco en ese álbum y el hecho de que Whitney supo hacer la transición de estrella ochentera a DIVA del R&B y del Pop de finales de los 90 e inicios de los 2000. Sin omitir detalles de sus creciente adicción al crack y los problemas con su marido (fue la época en la que los abusos por parte de éste se agravaron) y que nos llevarían a la siguiente parte.

Al álbum, va completamente ligado el éxito de la banda sonora de la película animada The Prince of Egypt en el que realizó un dueto con su "rival" Mariah Carey (que tuvo su punto culminante en la gala de los Oscars en la que interpretaron el tema en directo en una gran batalla de gorgoritos). No estaría de más mostrar su relación con ella, con quién demostró tener una gran amistad cuando más tarde Whitney cayó en el pozo de las drogas del todo. El tema When You Believe, fue uno de los singles de su álbum My Love Is Your Love. Los demás singles: Heartbreak Hotel (con Faith Evans y Kelly Price), It's Not Right but it's OK (que le ganó otro Grammy), My Love Is Your Love y I Learned from The Best. Todos fueron temas representativos del R&B del momento además de hits.

La etapa de este álbum (y el Grandes Éxitos) no puede cerrarse sin mostrar el exitoso especial del canal VH1 con la gala Diva's Live'99 (que se promocionó luego en formato disco y DVD), en la que por primera vez pudimos ver y escuchar a pesos pesados del R&B y el Pop como Brandy, Mary J. Blige, Tina Turner y Cher. La gala se celebró tras el éxito de la que se realizó en 1998 con Aretha Franklin, Mariah Carey, Celine Dion, Gloria Stefan y Shania Twain, con Carole King de invitada especial; estos conciertos se realizaron anualmente de forma in-interrumpida hasta el año 2004 y regresaron en 2009 (en 2012, se usó la gala como homenaje a Donna Summers y Whitney Houston, quiénes ya habían fallecido).

El declive

Se me hace difícil meter todo lo que va del 2000 al 2012 en un mismo saco, pero hay que ser realista. Durante esa década, Whitney se metió en un pozo y nunca salió, aunque nos quiso hacer creer que sí varias veces.

No quiero alargarme demasiado, es tarde y debo rellenaros ésto de vídeos... pero si hubiera un biopic de ella, aquí es dónde el problema con las drogas y su matrimonio que -hasta entonces- debería ser una sub-trama muy secundaria que se viera como pequeños detalles, ahora debería ser el foco.

Lamentablemente, aunque su regreso con el álbum Just Whitney (2002) le salió más o menos bien, todo era siempre un tratar de callar la boca  a la prensa sensacionalista que se frotaba las manos cada vez que ella y su marido les servían un escándalo en bandeja. Podéis leer en la wikipedia como fue todo este período, yo os lo diré así:

Whitney había caído del todo a nivel personal y como artista había empezado a crear problemas, su sello le había renovado el contrato y era uno millonario, así que les urgía que la vaca les diera leche (y pronto). Just Whitney tenía toda la pinta de ser un disco forzado para que ella siguiera en el candelero musical, usaron su primer single Whatchulookinat como respuesta a los papparazzi y todos los críticos con ella, pero la verdad no se podía esconder. Whitney usó grandes productores del momento, como no, para el álbum: "L.A." Reid, Babyface, Charlie "CSUN" Bereal, Gordon Chambers, Kenyn Bereal, Kevin Briggs, Missy Elliot, Muhammad2G, Ricky Minor, Rob Fusari, Ted Bishop, Troy Taylor, incluso su marido Bobby Brown. 

A pesar de no alcanzar números 1 en las listas generales, el álbum obtuvo un récord de ventas, superando a sus anteriores lanzamientos en ese aspecto. Pero Whitney ya no era ella. Los temas eran buenos, pero cuando la sacaban a promocionar, se veía lo drogada que estaba y daba hasta lástima de ver. Recuerdo que la vi en los EMA de la MTV que se celebraron en Barcelona en 2002 y le comenté a un amigo que creía que la palmaría pronto. Que además de drogada, le veía el físico muy jodido.

Realmente, aquí es dónde desaparece del mapa musical hasta 2006 (hizo especiales navideños y polladas sin relevancia), cuando se divorció de Bobby Brown y regresó supuestamente rehabilitada pero con unas secuelas físicas y vocales bastante notables.

Aún en su peor momento como artista, logró debutar su álbum I Look To You (2009) en el número 1 del Billboard. Aún siendo una sombra de lo que era, siguió ofreciendo material de primera calidad (aunque ya no podía promocionarlo al mismo nivel vocal). 

Pero, ciertamente, si yo realizaea su biopic, aquí dejaría claro que ella ya no era la misma y me centraría rápido en explicar como al final logró realizar el proyecto de Sparkle.

Habría colado antes que ella quería hacerlo con Aaliyah de protagonista, pero tuvo que abortar al morir ella en 2001 en ese trágico accidente aéreo. Pero ya luego pasaría de los otros intentos (se dijo que luego se lo quería proponer a Raven-Syomoné en 2005, que es otro gran referente para las adolescentes afro-americanas de entonces) a la producción real de la peli con Jordin Sparks como protagonista, para que viéramos cómo cambió el mundo de la música con la llegada de concursos como American Idol (y que afectó al R&B).

Por suerte, Whitney se saltó la crisis del mundo discográfico que melló de lleno al R&B de mediados de los 2000 y se cargó la carrera emergente de muchos y la casi-consolidada de otros. Pero Whitney encajaría aquí a la perfección con la temática de los éxitos salidos del American Idol, pues otra peli que se dijo que le habían ofrecido protagonizar (en el papel de Deena) es Dreamgirls, y todos sabemos que el éxito cinematográfico del 2006 contó con una de las chicas salidas del concurso: Jennifer Hudson. Si os digo que la temática de Sparkle es una versión blaxploitation de lo que es Dreamgirls, los cabos quedan atados del todo. 

Uno de mis temas preferidos de la película, en su versión de 2012. El tema fue también regrabado en los 90 por el grupo EnVogue, junto a otro de los hits de esta película original de 1976. Aquí podéis ver el original, aunque a nivel discográfico, Aretha Franklin fue la encargada de promocionar este single de la peli del 1976.

Sparkle de 1976

Yo creo necesario ver los cambios de ambientación que Whitney realizó en su versión de Sparkle, que la hacían más cercana al Dreamgirls lanzado en 2006, en contraposición a su adorada versión (original) protagonizada por Irene Cara. Hay un cambio sustancial de las épocas que retratan los dos Sparkle: La de Irene Cara nos retrata los grupos que protagonizaron la ola de finales de los 1950 (era Spector) y que terminó con la explosión de los que lanzó la Motown en sus primeros años (como Dreamgirls, está inspirada por la trayectoria de The Supremes). La versión producida por Whitney está ambientada en la era post-ascensión de la Motown, en un Detroit que entra en decadencia, cuando Los Ángeles empezó a ser el foco de la industria discográfica y sellos como Columbia Records (que sale en la peli) empezaron a tomar importancia (estamos en la segunda mitad de los 60).

Sparke de 2012

Como podéis comprobar, aunque la película de Whitney tuvo críticas buenas y malas, recaudó bastante dinero y fue el testamento cinematográfico de la cantante y actriz (y productora) quién dedicó parte de su vida a llevar este proyecto a la realidad. Además ilustra otra parte de la historia del R&B, convirtiéndose en algo que merece la pena incluir en cualquier película que quiera contar la historia de Whitney Houston.

Sparkle de 1976

Con este último apunte, concluyo mi entrada. Espero que os hayáis hecho una idea de porqué me irrité tanto al ver el biopic del Lifetime, pero además que hayáis comprendido el porqué hay cosas que sí vale la pena de explicar, el porqué Whitney se merecería un buen biopic.